Éstas son las fotografías que presenté hace un mes al Concurso fotográfico de las fiestas patronales de Moros y Cristianos de Crevillent. Son de las fiestas del año pasado (2009), pero no las publiqué antes para evitar problemas con las bases del concurso.

El retrato es uno de los géneros fotográficos que más me gustan, porque cuando se consigue captar el momento de una mirada penetrante o una sonrisa especial es realmente satisfactorio. En este post trataremos el uso de la luz natural para realizar retratos.

Algunos accesorios aconsejables para retratar con luz natural son:

- Trípode para cuando la luz sea escasa.
- Flash para tomas a contraluz o con luz débil.
- Parasol para evitar reflejos por la luz dispersa.
- Pantallas reflectoras para rellenar cuando la luz principal es muy fuerte.

No tenemos el control total sobre la luz natural, pero sí podemos fijarnos en cuál es su dirección, cómo ilumina a las personas y a los fondos y cuál es su cantidad y calidad. Sabemos que la luz cambia mucho según la época del año, las condiciones atmosféricas, las horas del día y el lugar elegido. En ocasiones podremos posponer una sesión si las condiciones no nos son favorables, pero ¿y si nos encargan una boda?

En un caso como éste deberemos aprovechar al máximo las herramientas que tenemos para conseguir una calidad óptima. En exteriores podemos elegir el escenario: un parque, un monumento, una fuente. En cada caso tendremos que elegir una luz principal y optar por una luz de relleno ayudándonos tanto del flash (rebotado o directo) como de pantallas reflectoras.

En interiores tenemos la luz alógena de las casas, aunque casi nunca es suficiente. Por lo que una opción interesante es acercar a la persona a una ventana o fuente de luz similar. Siempre tendremos que ayudarnos de la sensibilidad de la película, de las paredes y techos blancos para rebotar el flash o de pantallas reflectoras.

El tono de la luz (más azulado o anaranjado) afectará a la toma por lo que deberemos tenerlo en cuenta; aunque en fotografía digital siempre podremos modificar estos parámetros en postproducción.

Era el primer año que me presentaba a este concurso. No obtuve ningún premio, pero debe contar la experiencia para próximos años. Los ganadores los podéis ver aquí.

Publico la segunda parte del apartado “Componer en fotografía”. Este completa al anterior y se centra en algunas reglas básicas que debemos para empezar en la fotografía.

LA REGLA DE LOS TERCIOS.

Consiste en dividir el formato en tres porciones tanto en sentido vertical como horizontal. Estas líneas sirven para situar los elementos de las fotografías y ayudan a mejorar las composiciones. Por ejemplo: si tenemos un cielo espectacular puede ocupar dos tercios horizontales. O si el elemento está en movimiento hay que dejar más aire en la dirección del movimiento para potenciarlo.

El centro de interés de la imagen debe coincidir con el motivo principal. Y es aconsejable que la composición incite a un recorrido visual por la fotografía que empiece o termine en el motivo principal. Situar motivo centrado es la opción menos dinámica y muchas veces menos interesante.

COMPOSICIÓN Y REPRESENTACIÓN DEL MOTIVO.

La perspectiva:

Es el sistema de representación de la realidad tridimensional en un plano bidimensional; es decir, es el sistema que permite crear la sensación de profundidad en las fotografías. Y podemos lograrla gracias a:

• Líneas convergentes pueden aparecer implícitas o explícitas. El efecto de unión de las líneas es resultado de la distancia de los elementos y donde convergen las líneas se llama punto de fuga.
• Disminución del tamaño de los elementos que aparecen en la fotografía.

Perspectiva y enfoque:

El mayor o menor espacio con nitidez en una imagen se llama profundidad de campo y en su control intervienen tres factores:

• El objetivo utilizado. Los angulares aportan mucha profundidad de campo y los teleobjetivos poca, aplanando la imagen.
• El diafragma usado. A diafragma más pequeño mayor profundidad (tener en cuenta que si cerramos el diafragma debemos aumentar el tiempo de exposición con el obturador).
• La distancia entre la cámara y el motivo. A mayor distancia mayor profundidad.

Mencionar que es interesante aplicar el enfoque selectivo (se explicará más adelante).

La escala: Se refiere al tamaño o proporción de los elementos en relación unos con otros. Y también es la relación existente entre el tamaño real de los elementos y su representación gráfica.

EQUILIBRAR LA COMPOSICIÓN.

Simetría vs. Asimetría.

La simetría tiene un equilibrio perfecto. La escena se divide en dos mitades con el mismo peso visual. Resulta agradable a la vista, pero es una composición menos dinámica.

La asimetría ayuda a crear recorridos visuales y se obtienen composiciones más dinámicas.

Equilibrio de las masas.

Hace referencia al equilibrio de los pesos del tono o color de los elementos de la composición. Aunque la interpretación de los tonos y los colores es subjetiva, hay estudios y teorías (como los realizados por la psicología Gestalt) que ayudan a entender la percepción humana y, por tanto, a comprender y analizar este tema.

A tener en cuenta:

Los colores no pesan igual en fotografías en blanco y negro que en las de color.
Los tonos más oscuros se llaman sombras y los más claros luces.
Las sombras pesan más que las luces.
El color está ligado a las emociones, por ejemplo: unos pueden transmitir placidez y otros tensión.
Hay colores que pesan más que otros. De mayor a menor: rojo, naranja, azul, verde y amarillo.

FORMAS Y GRAFISMO EN FOTOGRAFÍA.

Las siluetas: Se consiguen fotografiando a contraluz. Resultan interesantes pese a la poca información que tenemos del motivo.

Ritmo: Es sinónimo de repetición. Puede existir ritmo en el color, la forma, la textura, las líneas, etc.

Textura: Cuanto mayor sea la sensación de textura, mayor realismo e interés en el espectador. Una iluminación rasante potencia la textura, al contrario que una luz frontal.

Líneas: Es uno de los elementos más contundentes de la composición. Pueden aparecer implícitas o explícitas.

Estas son algunas fotos que tomé un día por mi ciudad, centrándome en algunos detalles y su gente.

Espero que os hayan gustado.

COMPONER CON LA CÁMARA.

Encuadrar significa aislar un motivo de su contexto general. Por tanto, cuando encuadramos estamos definiendo un tema principal, desechando a su vez otros posibles. ¿Cuál es el mejor encuadre? Ante una misma situación, dos fotógrafos se interesarían por elementos distintos, según sus necesidades expresivas y narrativas. No importa el elemento que se elija fotografiar, sino si transmite o no aquello que quería el fotógrafo. Por supuesto, colocar el elemento que nos interesa en el centro de la imagen no suele ser la opción más atractiva para que el espectador sepa que queremos decir.

Antes de disparar debemos atender a lo siguiente: dedicar un tiempo a mirar todo lo que se ve a través del visor y preguntarnos si todo lo que aparece es necesario o si, en cambio, necesitamos incluir o excluir algún elemento del encuadre.

Autor: RONMAN1990 www.sxc.hu

Definir el tema. Hay infinidad de temas a fotografiar. Cada fotógrafo elegirá un tema de acuerdo a la situación con la que se encuentre, a lo que quiera expresar y sus conocimientos artísticos y técnicos. Un consejo a la hora de definir un tema: acércate cuanto puedas y cuando ya estés cerca, acércate un poco más.

Muchas fotografías no consiguen ser lo suficientemente efectivas porque incluyen demasiados elementos o están tomadas desde muy lejos.

Los límites del encuadre pueden transmitir sensación de profundidad, agobio, libertad… según qué elementos decidamos que van a estar en estos límites. Situar un elemento en primer término da más profundidad de campo a la imagen; o retratar a alguien en primerísimo primer plano recortando partes de su cabeza puede darnos una imagen muy atractiva.

EL PUNTO DE VISTA.

El punto de vista hace referencia a cómo y dónde se sitúa la cámara con respecto al motivo. Debemos decidir si vamos a fotografiar en vertical u horizontal o, atendiendo a las angulaciones, si vamos a elegir entre tomas frontales, tomas en picado o en contrapicado. Angulación significa que el plano de la película no se encuentra paralelo al motivo.

Tomas frontales. Dan sensación de estabilidad, equilibrio y tranquilidad.

Tomas en picado (la cámara mira hacia abajo). Minimizan el motivo y le dotan de inferioridad respecto al espectador.

Tomas en contrapicado (la cámara mira hacia arriba). Potencian el motivo y lo hacen más importante y superior.

Autor: Obyvatel www.sxc.hu

ENCUADRE Y DISTANCIA FOCAL.

La distancia focal es la longitud del objetivo. El objetivo usado condiciona el tipo de encuadre y la composición de la fotografía.

Objetivo angular. Agranda los elementos más cercanos a la cámara y empequeñece los lejanos. Produce una alteración del tamaño de los motivos.

Objetivo normal. Produce una representación del motivo que consideramos normal o igual a la que produce nuestro ojo.

Teleobjetivo. Aplana la imagen, desenfocando los elementos más cercanos o más lejanos, dependiendo de qué se elija enfocar.

Aquí dejo algunos de los últimos efectos que he aplicado después de una sesión fotográfica. Son dos imágenes retocadas aplicando algunos técnicas de postproducción que aprendí navegando por Internet. Más adelante explicaré, paso a paso, cómo conseguirlos.

OBJETIVOS. Tipología.

Se podrán diferenciar por la distancia focal y el ángulo de cobertura.

OBJETIVO NORMAL: su ángulo de cobertura es parecido al del ojo humano en reposo (60º).

GRANDES ANGULARES: Cubre un ángulo de más de 60º. Tienen la capacidad de captar mucha extensión visual y registrarla en una pequeña superficie.

TELEOBJETIVOS: Suelen cubrir un ángulo visual de 25 o 35º. Achatan la imagen y desenfocan el fondo (poco profundidad de campo).

Más adelante veremos qué objetivo utilizar según los resultados artísticos que queramos conseguir.

VISOR.

Existen distintos tipo de visores, aunque nos centraremos en el visor réflex pentaprisma. Así, podemos encontrar visores de marco, visores ópticos directos y visores réflex. Atendiendo al visor réflex pentaprisma (el más usado por las actuales cámaras de 35mm.) está compuesto por cuatro piezas:

Espejo: refleja la imagen que pasa por el objetivo y está a 45º respecto al eje óptico.

Pantalla: Sobre ella se hace visible la imagen.

Pentaprisma: Controla y corrige la reflexión de la imagen.

Ocular: vemos la imagen corregida por efecto del pentaprisma, gracias a una lente positiva (convergente).

OBTURADOR.

En la formación de la imagen en el sensor de nuestra cámara intervienen tres factores fundamentales:

La sensibilidad del material (expresada en grados ISO. Lo veremos más adelante).

La intensidad de la luz (de la cual se encarga el diafragma).

El tiempo de exposición. Tarea que lleva a cabo el obturador de la cámara.

El obturador es el dispositivo que deja que la luz incida en nuestro sensor durante un espacio de tiempo, determinado manual o automáticamente con antelación, y que una vez concluido se cierra de forma automática.

La velocidad de obturación es la duración de ese espacio de tiempo determinado en el que el sensor está expuesto a la luz.

Los conceptos que se explican a continuación deben quedar claros, para después completarlos correctamente con los relacionados con el diafragma.

Ejemplo: Si queremos fotografiar un objeto en movimiento la velocidad de obturación deberá será mayor y el tiempo de exposición menor (para así congelar la imagen). Si vamos a fotografíar sucesivamente a una persona caminando, una persona que pasea en bicicleta y un coche que pasa deberemos ir aumentado la velocidad de obturación y, por lo tanto, el tiempo que el sensor queda expuesto a la luz será menor.

ESCALAS DE TIEMPO: el segundo es la unidad de tiempo a fraccionar, por lo tanto, la tabla de los tiempos de exposición queda, de mayor a menor:

15, 8, 4, 2, 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000, 1/2000.

(Hay cámaras que tienen más o menos velocidades de obturación). Tened en cuenta que mucha velocidad (número grande de denominador) es igual a poco tiempo de exposición.

Todos estos conceptos se ampliarán en otras unidades y se relacionarán con la sensibilidad de la película, el difragma y los efectos que queramos conseguir.

DIAFRAGMA.

El diafragma, como decíamos, es el dispositivo encargado de regular la intensidad de la luz que llega al sensor y está situado en el objetivo. Este elemento regula el grado de luminosidad de la imagen mediante la interposición de un mecanismo de abertura que deja pasar una determinada cantidad de luz por el objetivo. Después el obturador determina el tiempo que esa cantidad de luz incidirá en el sensor de la cámara.

Los diafragmas más cerrados ofrecen mayor calidad de imagen, pero cuanto más cerrado esté el diafragma mayor debe ser el tiempo de exposición (menor velocidad de obturación) para que la imagen quede bien expuesta.

El número f/: el más bajo determina la máxima capacidad de paso de luz del objetivo. Cada número f/ permite un paso de luz de la mitad que el número f/ que le precede y del doble del que le sucede. Una serie estándar de diafragmas:

f/1, f/1.4, f/2, f/2.8, f/4, f/5.6, f/8, f/11, f/16, f/22, f/32, f/45

Las distintas aberturas provocan diferentes efectos:

Luminosidad: se reduce cada vez que se cierra el diafragma.

Definición de la imagen: mayor nitidez conforme se cierra el diafragma.

Profundidad de campo: mayor longitud de zona enfocada conforme se cierra el diafragma.

SENSOR.

El sensor se ocupa de captar la luz que reflejan los objetos (como hacía la película analógica), pero de fijarla se ocupa el procesador y la memoria. Está formado por píxeles sensibles a la luz (la película estaba formada por haluros de plata que reaccionaban con la luz), y tanto el tamaño del sensor como el número de píxeles que lo forman son importantes para conocer la resolución de las fotografías y su calidad final. Hay distintos tipos (CCD, por ejemplo) y distintos formatos (cuatro tercios, por ejemplo).